艺术评价:如何欣赏艺术?
如何判断一幅画。
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艺术家的细节
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在这个教育评论中,请参阅:
2021 欧洲杯投注网址 (C.1200-1800),或
2012年欧洲杯投注门 (C.1800-PRESE)。

蓝色II(1961)(三联画部分)
由Joan Miro。其中一个
20世纪最伟大的绘画作品
国家现代艺术博物馆
PAPIDOU中心,巴黎。

艺术评价:如何欣赏艺术?

内容

什么是艺术评价?
艺术评估并不简单地喜欢或不喜欢
如何欣赏艺术品?
•艺术作品的背景/背景
这幅画是什么时候创造的?
绘画是摘要还是代表性?
它是什么类型的绘画?
什么学校或运动是与之相关的绘画?
照片画在哪里?
艺术家在他的职业生涯中处于什么阶段?他的背景是什么?
这幅画原打算放在哪里?
•艺术作品本身
创作这幅画时使用了什么材料?
这幅画的内容和主题是什么?
如何欣赏绘画中的构图?
如何欣赏线与形?
如何欣赏颜色?
如何欣赏纹理和笔触?
如何在绘画中欣赏美丽?
这幅画与其他作品相比如何?
关于如何欣赏抽象艺术的提示
如何评估艺术:最终问题
意大利匈牙利预测艺术批评史:著名评论家
欣赏所有艺术是不可能的!


艺术欣赏
两篇关于雕塑的文章
欣赏,请参阅:
如何欣赏雕塑
从石器龄到1850年的三维领域。
如何欣赏现代雕塑
19世纪/ 20世纪雕塑家。

艺术的意义
有关讨论,请参阅:
艺术的含义/定义

视觉艺术类别
定义,形式,风格,体裁,
时期,见:【欧洲杯官方唯一指定】

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什么是艺术评价?

评价一件艺术作品的任务绘画或者雕塑,需要客观信息和主观意见的组合。是的,艺术升值是非常主观的,但评估图片的目的并不简单地确定你是否喜欢/不喜欢图片,但为什么你喜欢/不喜欢它。这需要一定的知识。毕竟,您对学校操场上一个14岁儿童制作的绘画的评估可能与一个40岁的Michelangelo相似的绘画可能与类似的绘画完全不同。同样,在评估与表现主义肖像相比,评估现实主义肖像的真实品质时不能使用相同的标准。这是因为表现主义画家并不试图捕获与他的真实同行相同的视觉客观性。为了简单地说,艺术评估人员需要产生基本意见的事实:即,事实约(1)艺术品的背景;(2)艺术品本身。一旦我们有事实,我们就可以进行评估。我们可以收集更多信息,以及艺术品本身的工作,我们的评估越好。

定义和术语
请注意,在本文中,术语“艺术评估”,“艺术评估”和“艺术升值”可互换使用。

艺术评估并不简单地喜欢或不喜欢

在详细介绍如何评估艺术之前,让我们再次重新强调,整个艺术升值点是解释为什么我们喜欢或不喜欢某些东西,而不仅仅是我们喜欢它。例如,您最终可能最终不喜欢图片,因为它太暗,但您可能仍然喜欢其主题,或者欣赏其整体信息。简单地说,说“我不喜欢这幅画”是不够的。我们需要了解您看法背后的原因,以及您是否认为该工作有任何积极的品质。

如何欣赏艺术品

最简单的方式来理解并因此欣赏艺术品是调查其上下文或背景。这是因为它有助于我们在艺术家时,在他创造有关工作时,我们可以了解(或可能已经是)的内心。将其视为基本的侦探工作。从这些问题开始。

A.如何评估工作的上下文/背景?

这幅画是什么时候创作的?

了解工作日期有助于我们衡量它的制造方式以及所涉及的难度。例如,在摄影普及(C.1860)或可折叠锡涂料管(1841)的外观之前产生的景观有更大的难度。油画在文艺复兴之前生产,或者在艺术家的艺术家谦虚的手段之后,不会包含精美但天文学上的天然蓝色颜料脱色,由地上矿物制成青金石

绘画是摘要还是代表性?

一幅画可以完全摘要(意思,它与任何自然形状没有相似之处:一种形式,称为非客观艺术)或有机摘要(与天然有机形式的一些类似物体)或半摘要(图和其他目的在一定程度上是可辨别的),或者代表性(其比喻和其他内容即将识别)。显然,一个抽象的工作对代表性的工作完全不同,并且必须根据不同的标准判断。例如,全抽象图片不会试图将观众转移到任何内容自然主义因此,它的效果完全取决于它的形式性质(线条、形状、颜色等等)。

它是什么类型的绘画?

绘画有不同的类型或类别(称为绘画类型)。已建立的类型是:景观,肖像,类型绘画(日常场景),历史和静物。在17世纪,伟大的欧洲学院,如罗马艺术学院,佛罗伦萨艺术学院,巴黎人Academie des Beaux-arts伦敦皇家学院遵循了皇家学院秘书安德烈·费利宾教授于1669年制定的规则法国科学院,他对体裁的排名如下:(1)历史绘画- 和宗教画也许是一个独立的类别;(2)画像;(3)浮世绘;(4)山水画;(5)静物。这个层次结构反映了每种类型的道德影响。专家认为a道德信息可以通过历史图片,肖像或类型绘画,而不是风景或静物来表达更清楚的。

其他类型的绘画,除了上述五个外,包括:城市景观,海洋绘画,图标,祭坛,缩放,壁画,照明,插图,漫画,漫画,海报艺术,涂鸦,动物图片等。

这些绘画类型的许多绘画类型都有关于组成,主题等的传统规则。这尤其适用于宗教艺术。例如,基督教主题在文艺复兴时期和巴洛克绘画中出现多次,这些主题有义务遏制某些圣人,并且必须符合某些组成规则。此外,画家经常在同一个类型中回到早期的图片(弗朗西斯培根的尖叫教皇被建模在其中一个最伟大的肖像画- - -无辜X的肖像由Velazquez)。由于这一切,绘画最佳地评估相同类型的其他作品。有关更多提示,请参阅:如何欣赏绘画

什么学校或运动是与之相关的绘画?

一个“学校”可以成为一个全国艺术家(例如,古埃及学校,西班牙语学校,德国表现主义)或当地团体(例如,荷兰德夫·现实主义,纽约阿什坎学校,Ecole de Paris),或者一般审美运动(例如。巴洛克式,新古典主义,印象派,造物主义,造物主义,立体主义,超现实主义,波普艺术,地方或艺术家群体(例如,Blaue Reiter,纽约抽象表现主义,Cobra Group,浮动,Stives学校),甚至是一个一般趋势(现实主义,表现主义)。或者,学校可能涉及特定类型(例如。巴比松学校和新的学校,都是景观团体;兄弟姐妹前兄弟,历史或文学主题图片)或绘画方法(例如,新印象派,基于炸料- 分歧的颜色理论的变种),或者自然世界的方面(例如,建构主义,致力于反映现代工业世界),或政治或数学符号(例如,Austere新塑本)。

知道许多人中的哪一个艺术运动绘画属于可以给我们一个更大的理解它的组成和意义。在学校里埃及艺术例如,画家必须遵守有关构图和色彩的特定绘画规则。因此,数字的大小是根据他们的社会地位,而不是参照线性透视。头和腿总是在侧面显示,而眼睛和上半身从前面看。埃及画家使用的颜色不超过六种:红、绿、蓝、黄、白、黑——每一种颜色都象征着生与死的不同方面。其他文化和文化学校都有自己具体的指导方针。荷兰现实主义艺术家珍贵的内部和环境的精确,真实的复制-除了肖像,其目的是为了奉承主题:cf。夜间观看,由伦勃朗。印象派画家通常是宽松的笔触,以捕获光线的光线印象。立方体摒弃了线性视角的正常规则,而是将其受试者拆卸成一系列扁平的透明几何板,其在不同的角度上重叠和相交。De Stijl艺术家喜欢Piet Mondrian只在他们的照片中使用几何形式,而线路始终是水平或垂直的 - 从不对角线。等等。

注意偶然艺术与之截然不同东方人艺术。中国绘画例如,专注于事物的精神内在本质,而不是外观。

照片画在哪里?

了解在绘画所在的地方和在什么地方可以提高对有关工作的欣赏和理解。这里有些例子。

在摇摇欲坠的脚手架上危险地平衡,米开朗基罗粉刷天花板西斯廷教堂(12000平方英尺的巨大区域)在1508年到1512年的4年间几乎没有任何帮助。知道了这个杰作基督教艺术创建原位而不是在一个美好的温暖工作室,帮助我们欣赏任务的巨大性。

莫奈,法国人的领导者印象主义,致力于他的生命p。晚年,他在自己的房子旁边建了一个带有睡莲池塘的日式水花园,正是在这里,他创作了大量的睡莲画。毕沙罗也主要在户外作画,因此总是有大量未完成的画作,因为在他的作品完成之前,光线经常会褪色。这就解释了为什么他画同样的场景或主题(为了捕捉不同的光线),为什么他的笔法如此迅速和松散。另一方面,马奈和德加都是城市人,他们只在自己的工作室工作,在那里他们可以打磨和完善自己的作品。其他杰出的空气画家包括斯堪的纳维亚的克罗伊和哈默休伊(被称为“光的画家”),他们在丹麦的斯卡根创作了许多杰出的风景画。

周围环境可能对艺术家的情绪产生重大影响,因此对他的绘画产生了重大影响。van Gogh和Gauguin是点的案例。在他10年的绘画中,梵高依靠荷兰艰难的日子绘画时依靠深色的颜色(例如。马铃薯食店,1885年);在印象派的影响下,在巴黎切换到较轻,在巴黎的颜色;当他在阿尔勒斯绘画时转向生动的大黄叶,靠近里维埃拉(晚上的露天咖啡馆, 1888);在他最后的作品(《橄榄采摘者》,1889年,和《不祥的预兆》)中回归到较暗的颜料麦田用乌鸦1890)。1891年,梵高去世一年后,法国艺术家保罗·纳金队为大溪地和太平洋群岛举行航行,在那里他在急性贫困中最近10年的大部分时间。尽管如此,他的回归自然用巨大的生活和颜色涂上画画,以及一个基因主义这在毕加索和其他人身上得到了共鸣。

一个特别有趣的艺术家是法国内胆的Edouard Vuillard,他们在巴黎的一系列公寓里与他的母亲一起生活了60年。他的母亲跑了她女服胸衣商从家里,给Vuillard有机会观察她的衣服的图案,材料,颜色和形状。所有这些都经过精心地反映在他的画作的典范中。

曾经,在他的艺术青年期间,Pioneer Pop艺术家Robert Rauschenberg(据称)如此贫穷,他留在他的公寓里,并在自己的床上涂上了被子,用牙膏和指甲油装饰它。标志性的工作有权(1955)。

艺术家在他的职业生涯中处于什么阶段?他的背景是什么?

了解画家的生活早期或晚期创造了一幅画,往往可以帮助我们对工作的赞赏。

艺术家通常随着时间的推移改善了他们的绘画技术,在中生的某个时候达到了高点,然后在以后淡化。然而,一些艺术家在他们的权力的高度上死亡。此类艺术家包括:Raphael(1483-1520),Caravaggio(1571-1610),Jan Vermeer(1632-75),托马斯·格瑟丁(1775-1802),Richard Parkes Bonington(1802-28),Van Gogh(1853-90),Aubrey Beardsley(1872-98),Isaac Levitan(1860-1900),Henri de Toulouse-Lautrec(1864-1901),Amedeo Modigliani(1884-1920),Nicolas de Stael(1914-1955)和杰克逊波洛克(1912-56),名字但是几个。另一方面,一些艺术家早期开花,而他们可能继续绘画数十年,未能重复他们的早期成功。在此类别中,我们可能会发现现代艺术家,如Marcel Duchamp,Georges Braque,Oskar Kokoschka,Andre Derain,Maurice de Vlaminck,Kees Van Dongen - 甚至可以说,可以说,毕加索。只有相对较小的比例将它们的创造力保持在极端老年,以Tintoretto,Monet,Renoir,Joan Miro和Lucian Freud。

了解艺术家的背景也可以解释很多关于他/她的画。

据报道,挪威表现主义者Edvard Munch从未从家庭中的一些早期死亡中恢复过来。他的后期神经质,病态的性质可以在他的许多作品中看到。墨西哥画家弗里达卡哈洛从未完全恢复过腿部在托脊柱初期使用右腿,在公共汽车事故发生后18岁遭受严重伤害。这有助于解释她无尽的一系列自画像,捕捉她缺乏流动性。

保罗·凯恩(蒙特圣沃斯瓦尔景观,沐浴者和静止的)和Edgar Degas(芭蕾舞演员)涂上了某些科目的无尽的艰苦介绍。这是一个可能的原因,是既不取决于他们的生活艺术。当然,既不尝试过多的肖像,这是流派的最具资金奖励。另一方面,两名男子在他们的前景中比他们的印象主义者同事更加典型,有助于解释他们的精确和细致的工作方法。

这幅画原打算放在哪里?(如果有的话)

明显一幅设计占据大量空间在墙上的16世纪西班牙修道院食堂(不朽的,鼓舞人心的宗教图片)是完全不同的从一个用于研究的一个繁荣的纺织商人在17世纪阿姆斯特丹(小规模、抛光肖像、室内或静物)。同样,一幅为加利福尼亚一款高科技软件的接待区设计的画(大型现代抽象画,可能是几何或表现主义的)很可能不同于安装在伦敦金融城一家私人银行董事会会议室的画(传统的19世纪风景画)。当然,这些建议都是刻板的可能性,但它们可以说明特定地点的艺术作品的作用和特征。

B.如何评估艺术作品本身

看:如何欣赏绘画
也可以看看:著名的绘画作品分析

一旦我们调查或研究了绘画的背景,我们就可以开始欣赏工作本身。了解如何欣赏绘画本身就是艺术而不是科学。也许最困难的艺术评估方面是判断绘画方法本身:也就是说,实际绘画​​是如何完成的?因此,它具有很大的谦逊,因此我们为如何评估实际提供这些建议绘画技术用过的。

在绘画的创造中使用了哪些材料?

使用了什么样的涂料?画家采用什么类型的地面或支持?这些问题的答案可以提供有关艺术家意图的有趣信息。标准材料在帆布上是油漆。油由于其丰富的颜色,帆布由于其适应性。然而,丙烯酸类水彩画当需要薄釉料时使用代替油,并且当调用大型扁平区域时,丙烯酸也更好。美国抽象表现主义者Mark Rothko和Barnett Newman,既以其巨大的彩色画布而闻名,在20世纪50年代实验,用油和丙烯酸混合物。水彩和丙烯酸涂料也比油状物更快地干燥,因此非常适合迅速工作的绘画。木制的面板绘画当预期涂料非常精确的涂料时,有时用作帆布的替代品(夹在木材,铜或偶数板岩面板上)或与之相结合蛋彩画或者当艺术家想要在非常薄的层中建立油漆时的丙烯酸。

有时涂料表面,其支持及其框架是艺术作品的具体特征。在20世纪60年代早期,法国当代艺术由左侧前卫的主导地位支持曲面小组,其成员在没有担架的情况下涂上大型画布(画布后面的物理支持),而材料经常被切割,编织或皱折。意大利画家Lucio Fontana还为他自己的名字为60年代,他的“削减”帆布,允许观众通过画面平面看到超越的三维空间,这本身就成为了工作的一部分。最近,Angela de la Cruz是2010年英国人提名的当代艺术家之一特纳奖,已经注意到她的帆布,然后在被涂漆后,然后从担架的担架支撑并皱巴巴的,并恢复。

这幅画的内容和主题是什么?

这幅画描绘了什么?如果是历史照片或者神话绘画,问自己以下问题:游戏中呈现的是什么事件?涉及到哪些角色,他们的角色是什么?这幅画传达了什么信息?如果这是一幅肖像,问自己以下问题:谁是画中的人?艺术家如何描绘他/她?哪些特征或方面被给予突出或注意?如果这是一个类型场景,你可以问自己以下问题:游戏描述了什么场景?发生了什么?画家有什么消息(如果有的话)要告诉我们?为什么他选择了这个场景? If it's a landscape, ask yourself these questions: What is the geographical location of the view in the picture? (eg. Is it a favourite haunt of the painter?) What is the artist trying to convey to us about the landscape? If it's a still-life, ask yourself these questions: What objects - no matter how seemingly insignificant - are included in the picture? Why has the artist chosen these particular items? Why has he laid them out in the way he has? Still lifes are known for their symbolism, so it's worth analyzing the objects painted, to see what each might symbolize.

如何欣赏绘画中的构图?

构图指整体设计(Desgno.),一般布局。由于它在很大程度上决定了它的视觉冲击,绘画是至关重要的。为什么?因为一个良好的绘画将吸引和引导观众在图片周围的眼睛。在伟大的学院中卓越地培养了组成的画家,其中构成是绘画过程中的一个高度重视的元素。三个至尊的例子是Nicolas Poussin(1594-1665),J.A.D Ingres(1780-1867)和Edgar Degas(1834-1917)。

缺乏空间可防止我们在此处进行详细介绍,但我们建议对以下作品进行研究:埃及的神圣家庭(1655-7,艾尔米塔什,圣彼得堡)普桑;valpincon的bather(1808,Louvre,巴黎)由Ingres;和苦艾酒(1876年,Musee d'Orsay)通过Degas。

在第一个工作中 - 显示约瑟夫和玛丽在镇上的寺庙旁边休息 - Poussin的展示了他的惊人能力,尽可能地将所有东西定位在绘画中,以实现最大的光学和谐,并传达与之一致的重要信息整体主题。简而言之,图片中的一切都具有非常特定的目的和特定位置。在第二次工作中 - 一个更简单的内部的无窗卧室,我们看到坐在床上的匿名女性裸体的背面 - Ingres的颜色,形式和角度的高度象征性的安排,它用偷窥的谜团注入了图片。第三张图片 - 其中一个最伟大的类型画画永远 - 描绘了一个坐在巴黎咖啡馆的妓女,在她面前有一杯苦艾酒;另一个男人坐在她旁边;两者都迷失在思想和自己的世界里。在这项工作中,Degas使用一系列角度和线条,以及阴郁的深色,以捕捉到主要大都市中心的细胞样隔离和抑郁症体的孤独。所有三项工程都提供了许多重要的见解,帮助您欣赏绘画的构成。

如何欣赏绘画中的线条和形状?

画家的技巧往往表现在他的线条(轮廓)的力量和信心,创造和描绘了他的画的各种形状。在一个著名的故事中,一位重要的赞助人给文艺复兴前伟大的画家乔托送去了一个信使。信使要求乔托提供身份证明,于是乔托拿出一支画笔和一块亚麻布,在上面画了一个完美的圆圈。然后他把画交给信使说:“你的主人会知道是谁画的。”线条在绘画结构中是一个至关重要的元素,并解释了为什么画画所有文艺复兴时期专家都被视为艺术家的最大属性。事实上,当欧洲伟大的美术学院首次开放时,学生没有教过绘画(Colorito.)在所有 - 只是绘画。一些最好的草坪是肖像画家,其线路可能几乎是故障:一个现代的肖像是历史训练的肖像学家约翰辛格·萨金特(1856-1925)谁是“Au Premier Coup.“技巧——一笔准确的笔触,不需要重新加工。在没有受过古典艺术训练的现代艺术家中,梵高和高更的画作以其异常有力和自信的线条而脱颖而出。

在比喻绘画中:(1)检查艺术家如何使用Chiaroscuro优化他的数据的3-D质量;(2)看他是否使用t作为他的照明计划的一部分,以便将聚光灯放在图片的某些部分上;(3)查看画家是否正在使用该技术Sfumato.在混合颜色。

如何在绘画中欣赏颜色?

绘画中的颜色对我们的情绪有很大的影响,因此在我们欣赏艺术的方式上起着很大的作用。奇怪的是,虽然我们可以识别多达1000万种颜色的变体,但英语中只有11个基本的颜色术语——黑色、白色、红色、橙色、黄色、绿色、蓝色、紫色、粉色、棕色和灰色。所以精确地谈论颜色并不容易。顺便说一句,关于术语:“hue”是colour的同义词;“tint”是指较轻的版本。一种特殊颜色的(红色);“shade”是指较暗的版本。洋红色);“色调”是一种颜色的亮度、强度或光辉。顺便说一句,许多古代大师的作品都开始随着年龄的增长而变暗,这使它们看起来不那么吸引人了。 It can also make even the最好的艺术博物馆看起来额外的阴沉!

画家用几种方式使用颜色。拿Mark Rothko的绘画为例。罗斯科是最早创作出充满丰富色彩的巨型抽象油画的画家之一——黄色、橙色、红色、蓝色、靛蓝和紫罗兰。他的目的是激发观众的情感反应。为什么不呢?毕竟,色彩心理学已经对医院、学校和其他机构的室内设计产生了巨大的影响。

历史上,印象派和表现主义(特别是野兽派)第一次利用充分色彩潜力的国际运动。学术画家遵守常规的颜色方案 - 绿草,蓝色/灰色大海等,但现代艺术家绘制了他们所看到的(印象派)或他们的感受(表现主义者):如果这意味着涂上红草,那就涂上了红草。比喻艺术与景观相同的艺术:因此,“俄罗斯马蒂斯”Alexei Von Jawlensky(1864-1941)设置了肖像中使用颜色的新标准,而Degas使用颜色将光泽添加到他的芭蕾舞恒星中,而绝望他的苦艾酒饮酒者。其他艺术家在整个图片中使用单色音色方案,以创造一种特殊的情绪。最高普遍的浪漫景观,阿特金森格里姆萨夫的夜间场景,惠斯勒的音调夜徒,彼得·伊斯特雷德的室内设计,克里默的景观,哈默霍伊的内部,以及“蓝色”和“蓝色”和“蓝色”和“玫瑰”期间由Picasso(1881-1973)作品,只有几个。

总而言之,画家使用颜色来刺激情绪,捕捉光的自然主义效果,向图或场景借出字符,并向抽象或半抽象作品添加深度。它也可用于吸引观众的眼睛。如果您想学习如何欣赏画作,请密切关注艺术家如何使用颜色。问问自己:为什么他/她选择了这个/那个特定的色调?它如何为图片的情绪或组成有贡献?使用的不同颜色如何彼此相关:他们是否创造了和谐或摩擦?

如何欣赏绘画的纹理和笔触?

当谈到学习如何评价绘画的质感和笔触时,没有什么可以替代去参观画廊或博物馆,自己去看看画布。即使是最好的艺术书籍无法在任何程度上复制纹理。再一次,它往往是宣传训练的画家,这些画家在不同的纹理和使用impasto.。Ingres甚至会选择某些科目(例如。valpincon bather.1808年,La Grande宫女1914年)为了展示他的技能,捕获珍珠母母珍珠和丝绸等材料的技能。无论如何,画家处理纹理的纹理是一个好的指南,是他/她的绘画技术的力量。

笔触可以紧密(较慢,精确,控制)或松散(更快,更迅速,更休闲,更加表现)。它基本上由绘画的风格和情绪决定,而不是(比如说)艺术家的气质。卡拉维加有一个暴力炎热的气质,但他的画作是受控笔刷的模型。Cezanne气质缓慢:他慢慢地画了,他仍然生活中的所有水果都在他完成之前几周腐烂。然而,他的许多作品中的刷子非常松散。普遍存在,我们可能会说现实主义画家的笔触往往更加刻意,而不是表现员更加受到控制。当印象派在巴黎举办第一个展览时,1874年,批评者和观众在他们称之为笔触的“石卑浴”的批评者中受到恐惧。在确切的形象形成之前,它们必须远离绘画。如今,我们对印象派非常放心,但在开始的超级宽松的笔触造成了丑闻。

谈到评估图片时,要问的问题是:这笔笔触是否添加或贬低绘画?

如何在绘画中欣赏美丽?

美学是一个非常个人化的话题。我们对事物的看法各不相同,包括“艺术”,尤其是“美”。此外,绘画首先是一种视觉艺术——是我们看到的,而不是思考的。因此,如果我们被问到我们是否认为一幅画是美丽的,我们可能会给出相当迅速的反应。然而,如果我们被要求评价一幅画的美(或缺乏美)——含义,解释并给出理由——好吧,这是另一回事了。所以为了帮助你分析情况,这里有一些关于这幅画的问题要问你自己。大多数作品关注的是可见的和谐、规律和平衡。

图片中明显的比例是什么?
希腊艺术文艺复兴的艺术通常是基于一定的比例规则,这与古典的光学和谐的观点是一致的。所以也许你看到(或没有)的美部分可以通过参考作品中的(物体和人物)比例来解释。

绘画中是否重复了某种形状或模式?
根据心理学家,重复令人愉悦的形状,特别是在对称模式,可以放松眼睛和大脑,导致我们感到愉快。

绘画中使用的颜色相互补充吗?
具有互补色调或色调变化的颜色方案以其对感官的吸引力影响。

图片是否吸引你?它是否保持注意力?
最伟大的画总是最容易看的。它们吸引我们的注意力,然后“路标”引导我们的视线围绕着作品。

这幅画如何与他人比较?

一切都是相对的。那么你面前的绘画如何与相同艺术家的类似类型的绘画进行比较?如果这是一个成熟的工作,您可能会发现它更好地改善了,反之亦然。如果您无法通过同一艺术家找到别人,请尝试通过其他艺术家查看类似的作品。理想情况下,从同一个十年涂上的作品开始,然后逐步向前移动。你看不到太多的画作!

关于如何欣赏抽象艺术的提示

抽象绘画并不容易评估。如果他们遵循一个大致的主题,就可以了,比如立体主义,或者它们包括可识别的功能,但纯粹具体艺术——它只使用几何符号——往往过于理智而不舒适!也就是说,很多抽象画家为当代文化做出了巨大贡献,我们需要试图了解它们。所以这里有几个提示。

完全抽象的绘画释放我们,观众,从任何与现实生活中的光学协会。(这就是为什么许多艺术家在抽象成语中工作的原因)。所以我们没有被绘画外部分散注意力,我们可以专注于工作的画家方面:即线,形状,颜色,纹理,笔触等。

特别是问问自己:(1)艺术家如何划分画布?(2)艺术家如何引导我们的眼睛,它在哪里徘徊?(3)艺术家如何使用颜色来创造深度,吸引注意力,或赋予特定意义或意义的某些形状?(4)工作含有哪些具体形式,您认为他们是什么意思?(5)有时抽象艺术家非常谨慎地使用颜色,故意创造一个简单的外观。如果你发现自己无法对这样的作品说太多,请不要担心:每个人都有困难!最好的事情是研究一个特殊的工作,并找出一个顶级“艺术专家”的想法。你可能仍然不喜欢它,但至少你会知道要寻找什么。(6)一般来说,抽象的绘画比其他作品更加脑。他们需要被破译! So instead of throwing up your hands and saying - "I don't understand this awful painting!", treat it like a puzzle and see if you can work out what the artist is aiming at.

也可以看看:如何欣赏绘画

如何评估艺术:最终问题

在研究了这幅画的背景和作品本身之后,我们最后得出几个问题。

这幅画试图说什么?
这一普遍问题涉及您发现或决定工作的所有内容。
这幅画如何让你感受到?
这专注于您对工作的主观反应。
绘画的影响大多是视觉,还是大多数脑?
这促使你分析自己的反应。
你想看到它挂在你家的墙上吗?
这可以让你从不同的角度来考虑工作。
你想看到更多类似类型的画作吗?
你可能不喜欢这份工作,但你可能喜欢它的风格。

意大利匈牙利预测艺术批评史:著名评论家

你不必知道什么艺术评论家或者他们的历史才能懂得如何欣赏艺术。所以我们就不赘述了。然而,一些片段可能会帮助你确定,即使是专家也会对一幅画是天才作品还是完全的垃圾存在分歧。

丹尼斯·狄德罗(1713-84)被认为是艺术批评的创始父亲,因为他对他们的编辑百科全书(1751-2)。在他的艺术味道中宁愿感情,他做了很多重要的事情,大多数都太无聊了。

赫尔赫尔(1807-69)更有趣:他是法国艺术作家和历史学家,他着名'重新发现'Jan Vermeer(1632-75),并将他成立为最伟大的画家之一。不过,威尔梅尔不多。这个可怜的人几乎无法支付他的面包票据,从他的画中没有钱,在早期死亡后陷入默默无闻。

另一位著名的艺术评论家是19世纪的诗人查尔斯波德莱尔(1821 - 67)。他开创了Felicien Rops的职业生涯(听说过他吗?),还特别提到了艺术家Constantin Guys(也没听说过)。好一个查尔斯。他还是每年一度的巴黎新闻的定期撰稿人沙龙,他的旧式当局禁止所有真正的优秀艺术家,最终上演了许多竞争对手的展览沙龙des拒绝(1863),沙龙Des独立(1884-1914)和沙龙D'Automne.(1903年)。

在瑞士和德语世界,可以说是继约翰·温克尔曼之后最伟大的艺术史家雅各布布兰克特(1818-97),巴塞尔大学历史教授。他最着名的书 - “意大利文艺复兴的文明”(Die Kultur der Ranaissance在Italien),在1860年出版 - 探索了意大利人的总体rinascimento.并对19世纪的艺术批评者产生了重大影响。

在英国,19世纪最伟大的艺术评论家是约翰鲁斯金(1819-1900)。一位才华横溢的艺术家和美丽的作家,记得古典的5卷现代画家(1843 - 60)建筑七盏灯(1849)和3卷威尼斯的石头(1851-3),他最终疯了,但在他向惠斯勒失去了着名的诽谤案之前。

也可以看看:最伟大的现代绘画(1800 - 1900)。

罗杰弗里(1866-1934)是一位极具影响力的英国艺术评论家,有着优美悦耳的嗓音。他树立了专家的声誉意大利文艺复兴时期并成为纽约大都会艺术博物馆(1906-10)的绘画馆。但是,1907年Fry'发现了'Cezanne,并转换了他的兴趣Post-Impressionism- 成为运动的最大冠军。在伦敦,1910年和1912年,他策划了两次后印象派展览会。许多访客想到疯子是疯了。他的首席徒是作家,艺术评论家和形式主义者克莱夫钟(1881 - 1964)。

赫伯特读书(1893-1968)是一位着名的20世纪英语艺术评论家和最重要的翻译现代艺术。公布了许多作品,包括艺术的含义(1931),艺术现在(1933),教育通过艺术(1943),简练的现代绘画史(1959)和现代雕塑简史(1964)。说够了。

回到法国,20世纪早期的主要艺术评论家是诗人guillaume apollinaire.(1880 - 1918)。他是毕加索、立体派、奥尔普斯派、夏加尔、基里科、德兰、马蒂斯、卢梭和杜尚的杰出传播者,对艺术的评价无可挑剔。

超现实主义有自己的内部宣传者喜欢安德烈布雷顿到第二次世界大战爆发时,几乎所有的艺术家都离开巴黎去了纽约,纽约现在成为了世界艺术的中心。它的主要艺术评论家是克莱特格林伯格(1909-94),哈罗德罗森伯格(1906-78)和约翰加拿大(1907-85)。格林伯格,前托洛茨基师,喜欢抽象的作品杰克逊波洛克的绘画并写道艺术和文化(1961)以及关于米罗的专著(1948)和其他著作。不幸的是,虽然他当然知道如何欣赏绘画,但大部分前卫艺术他喜欢这么多几乎是雕刻 - 而是像格林伯格本人一样。Rosenberg,如Greenberg,是Avant Garde抽象的追随者。Canaday是纽约时报艺术评论家,是少数有影响力的批评人士抽象表现主义。

肯尼斯克拉克(1903-83),尽管在大多数20世纪的批评者中,虽然是传统主义者,但是可以说是最有影响力的,因为他创造了屡获殊荣的BBC电视纪录片系列“文明”,这在英国和美国都非常成功,在英语世界。

欣赏所有的艺术是不可能的

法国印象主义是有史以来最成功和有影响力的艺术运动之一。然而,它在开始它与嘲笑,而不仅仅是批评者,而是由观察公众的所有部分。莫奈,Renoir和Pissarro几乎饿死了。Sisley在贫困中死亡。

在1913年春天,军械库表演- 在美国举行的现代艺术展的最大展览 - 在曼哈顿举行,前往芝加哥和波士顿。大约300,000名美国人看到了1300个展品,其中包括最新的欧洲绘画以及一系列最佳当代美国艺术品。意见差异很大,特别是当它来到科学家和其他20世纪的工作时。Riots爆发了回应,艺术家Marcel Duchamp被一名决心烧毁节目的暴徒身体袭击。

课程?并非所有高质量的艺术都很容易理解或理解。

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