摄影艺术吗?
照片是一种镜头的艺术形式吗?
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压住他



威尼斯运河(1894)
Alfred Stieglitz拍摄
, 一
伟大的摄影师
在摄影艺术史上。

解释
最常用的术语
由摄影艺术家,参见:
冰岛斯洛伐克预测艺术摄影词汇表

摄影艺术吗?

内容

摄影艺术吗?
摄影图像:部分真实,部分想象力
Daguerreotypy,上镜
艺术照片
纸上的摄影
反对摄影作为艺术
Pictorialism
直摄影(Alfred Stieglitz)
前卫艺术
商业是艺术的吗?
人文主义摄影
接受摄影作为一种艺术形式
后现代主义摄影
结论:摄影是艺术


摄影是一种基于镜头的艺术吗?

在正在进行的辩论中摄影应该被视为一种基于镜头的类型吗美术,一些批评者认为,通过应用科学技术而不是真正的创意相机工作来产生一张照片。毕竟,他们声称,非常非艺术的业余摄影师,配备了一台好相机,能够产生令人满意的图像。相比之下,一个不知道如何绘画、雕刻或雕刻的人,要创作出一幅可接受的画作或雕像就困难得多。正因为如此,他们认为摄影不能与艺术的创作质量相比绘画, 或者雕塑

其他批评者不同意。他们说,这正是因为摄影与绘画和雕塑不同的不同美学适用。此外,他们还挑战任何画家,能否画出一幅像构图优美的照片一样引人注目的画。比如,抓拍国王查理一世在绞架上对人群讲话的场景,其影响要远远大于一幅同样场景的油画。因为相机捕捉现实,冲击力是相机艺术的重要组成部分。最后,即使一个未经训练的摄影师成功地拍出了一张令人满意的照片,也不太可能与专业摄影师拍摄的照片相媲美。他们说,这一切的结果是,摄影可能不仅仅是最新的技术之一【欧洲杯官方唯一指定】 ,它甚至可能是的“形式”现代艺术——这是现代科学时代的直接反映。

这些问题已经被艺术家们面对和讨论过艺术批评者在整个19世纪和20世纪。通过说明,这里是泰晤士河介绍和哈德森美妙的新出版物的扩展提取物摄影:整个故事(2012) - 对于对镜头艺术感兴趣的任何人的重要书籍。例如,它选择了照片及其分析是特殊的。

著名的艺术摄影师
黛安·阿甘(1923 - 1971)
摄影师的怪胎。
大卫·贝利(b.1938)
肖像/时尚照片。
塞西尔Beaton(1904-1980)
人像摄影师。
罗伯特Doisneau (1912 - 1994)
法国街头摄影师。
沃克·埃文斯(1903 - 1975)
大萧条时期的肖像画。
yousuf karsh.(1908 - 2002)
正式的肖像画家。
安妮莱比托斯(b.1949)
名人肖像主义者。
纳吉(1895 - 1946)
黑影照片而闻名于世。
诺曼帕金森(1913 - 90)
以户外肖像而闻名。

摄影图像:部分真实,部分想象力

为什么摄影图像如此引人注目?事实上,我们中的许多人现在每周甚至每天都拍照,但这并没有削弱个人快照或在画廊、博物馆或书籍中发现的作品的魔力。放在相册里或发布在社交网站上的照片可以让我们开怀大笑。当我们遇到来自摄影的历史比如赫伯特·庞廷(Herbert Ponting, 1870-1935)在20世纪早期拍摄的南极洲照片,我们对此着迷。庞廷拍摄的1910年至1913年英国南极探险队的照片让遥远的过去令人毛骨悚然地呈现在眼前。然而,这些照片并不仅仅是历史文献:很明显,即使在这种令人望而却步的条件下,摄影师也决心不牺牲任何美学效果。摄影既属于现实的领域,也属于想象的领域:尽管它有时倾向于其中一个,但它从来没有完全放弃对其中一个的控制。

摄影技术:达盖尔照相术,摄影画法

当它于1839年1月宣布世界时,有可能捕获在一个中看到的图像暗箱(一个援助画画这将艺术家看到了他或她可以复制他们主题的表面的东西),似乎人类聪明才智没有限制。Daguerreotypy - 由Louis-jacques-Mande Daguerre(1787-1851)在法国开发 - 导致小金属板上的高度详细的图像,好像一面小镜子被持有大自然。1月份宣布了Daguerreotype迅速接下来,在英国开发的另一个摄影过程的消息由Henry Fox Talbot(1800-77)开发。Talbot的过程,他称之为“镜像”,导致纸上的负面形象,具有温暖和毛刺图形艺术。达盖尔银版照相法是一种独特的物体(没有负片),一幅上镜的图画可以用来制作多张正片。从那时起,摄影就一直在独特性和多样性之间摇摆。今天,一位著名艺术家的独特或限量版摄影版画可以卖到100多万美元。与此同时,数码摄影——似乎无止境的复制——在全球传播中扮演着重要的角色。

艺术照片

在全球公共和私人收藏中有数以千计的重要艺术照片,但大多数人没有考虑艺术展。有些人旨在作为新媒体可以做些什么的示范;其他人开始生活作为文件,记录或插图;他们才被视为艺术物品。一些照片,如研究Eugene终止(1852-1927)巴黎人观看eclipse,在真实中找到超现实主义者。其他人,包括自画像作为溺水的男人(1840)由Hippolyte Bayard(1807-77),玩摄影的制作小说的能力就会出现。由于回顾性地被艺术对象被接受了大多数伟大的摄影图像,因此不能参考移动,学校和食品犬来告知他们的故事。

从1839年摄影术的发明开始,关于媒介身份和地位的争论并不是针对它的技术起源,而是它与技术的关系视觉艺术。很少有否认摄影是现代年龄的巧妙发明,但许多人认为它是对与艺术相关的传统价值观的威胁。在一个象征性的社会中,象征着“先生们”(那些行使他们的智力和想象的人)和“运营商”(手动工人,他们做出不可思议,机械工作),为现有社会秩序做出了挑战。

纸上的摄影

在1850年代,Daguerreotypy和Calotypy(Talbot在1841年在重要的改进后给了他的过程的名称)都让湿度加剧摄影,一种基于使用玻璃底片的过程生产纸图像。得到的图像通常在涂有蛋白(蛋白)的纸上印刷,其特征在于清晰的细节,巧克力棕色音调和闪亮的表面。摄影的练习,业余和商业,在1850年代中期经历了巨大的繁荣,19世纪的摄影师充分利用了。纸上的摄影实践已被释放免受许可限制,两种新格式即将变得非常受欢迎。立体图(在一张卡上略微分开并靠在一张卡上略微粘贴的同一拍摄对象的两个图像)在特殊的观看者看时,呈现了三维图像;受试者有时是教育,但通常是仅用于视觉效果,甚至滴定的设计。这Carte de visite.是一种与名片大小相同的全长肖像,强调的是着装,而不是拍照者的个人特征。

反对摄影作为艺术

19世纪中期摄影的普及导致对媒体的态度转变。在英国和法国的1840年代和1850年代的Calotypy实践已经出现出极高的技术和美学实验和成就。面对1850年代和1860年代摄影的快速商业化和普及,可以成为摄影的想法艺术- 该摄影师(从较低的社会级别绘制)可能是艺术家 - 对某些人呈现荒谬。1857年,艺术评论家和历史学家Elizabeth Eastlake表示应该庆祝摄影的观点,但只有它并没有超越处理“事实”的自命不凡。几年后,法国诗人和批评者克莱尔·波德莱尔谴责商业摄影作为艺术的“大多数凡人敌人”。有影响力的艺术评论家约翰拉斯金在19世纪40年代中期的威尼斯,他曾惊叹于达盖尔照相术(daguerreotypy)作为一种视觉辅助手段对自然的忠实。后来,他说摄影术“与艺术无关,永远不会取代艺术”。(注:摄影给了山水画,并即将取代肖像艺术几乎完全作为一种创作个人肖像的手段,但尚未被接受为独立的的表达方式)。

在1860年代,大多数商业摄影师认为技术品质,如视觉信息的清晰度和完美的印刷质量,作为展示他们摄影图像的优越性的手段。这种技术概念的卓越意味着,对于潜在的专业摄影师来说,摄影是真实的艺术。一些标记的个人拒绝了这种正统,并将摄影视为一种创造理想和现实复杂编织的手段。最着名的业余爱好者是一个女人:朱莉娅玛格丽特卡梅伦(1815 - 79)。卡梅隆在她40多岁的时候开始摄影,在接下来的十年里,她仅仅出于审美的原因创作了大量的作品。她利用不同的焦点、服装盒衣服和偶尔的道具来创作柔和的、暖色调的肖像和人物研究,后者的灵感来自圣经、文学或寓言主题。卡梅隆的信念,是她一直在摄影艺术是如此的大胆,和她的特殊实践这样的侮辱的适度的愿望在摄影学会展览工作,她以摄影社区作为一个倒霉的女性偏心不能正确使用自己的设备。

Pictorialism

然而,直到19世纪末,摄影中的主观性才获得了更广泛的文化合法性。是国际运动的中心Pictorialism,它的倡导者把摄影作为一种表达媒介,是那些从已建立的摄影社团和他们所重视的技术成就中“成功”的摄影师。画派摄影的特点是借用平面艺术的技术和效果。尽管画派的图像通常来自一个明确定义的负面图像,但通常涉及到大量暗室操作,将图像从这个棱角分明的现实中转变出来,这意味着每一幅版画都可以声称是独一无二的。由此产生的图像,通常以充满活力的色调印刷,看起来柔和、朦胧和梦幻般的,旨在激发审美而不是文字上的反应。许多画派作品唤起了当代艺术的高度严肃象征意义,如图所示风竖琴(1912),安妮布里格曼(1869-1950)。

直摄影

与这一时期艺术摄影的推广最密切相关的人物是冰岛斯洛伐克预测Alfred Steigglitz.(1864-1946),一个与欧洲密切相关的纽约人。(注意:Stieglitz的妻子格鲁吉亚奥基埃德(1887-1986)和更年轻的同时代人爱德华·斯泰肯(1879-1973)也是基于镜头的精美艺术的活跃冠军,并帮助将媒体介绍到博物馆收藏中。在期刊上相机工作然后是最好的摄影艺术的展示,然后在国际上进行国际,包括他自己。Steigglitz和相机工作随着他们在其推广中所做的影响,在远离盗版主义中的展会中发挥了重要作用。早在1904年,评论家达卡基哈特曼,写作相机工作他使用“直拍”一词来衬托画图主义的柔和美感。施蒂格利茨的练习(1907),出现在相机工作1911年,经常被誉为第一张现代照片。然而,直到1917年杂志的最后一期出版时,一种纯粹的摄影美学才完全实现。这个问题是致力于作品保罗股(1890-1976),包括他现在的标志性作品华尔街(1915年),它将大胆的图形几何与现代生活主题融合在一起。

摄影可能拥有自己的美学的想法,并且它在纪录到媒体的品质基础上是对美国艺术摄影师的强大引人注目的,其中许多人都放弃了绘画主义。爱德华威斯顿(1886-1958)开始支持这样一种观点,即摄影的创造性工作不再是在暗房中进行,而是在摄影师对拍摄对象和底片在相机中曝光前的构图进行“预可视化”。1932年,一个名为f/64的团体在加州成立,致力于推广直拍Ansel Adams.(1902-84)其成员之间。Weston,他的近抽象静物和裸体,亚当斯,他的抒情景观纪实摄影之后的几十年里,他一直主导着美国的摄影艺术创作。

前卫艺术

在欧洲,第一次世界大战对艺术的创造产生了深远的影响。心怀不满的艺术家们试图发展一种绘画表达方式,以表达这场冲突所带来的对传统价值观的信仰危机。第一批唤起时间、空间和其他抽象概念的非具象照片是在战争期间拍摄的,这种激进创新的精神启发了创作前卫艺术在20世纪20年代及以后。作为一种具有通俗内涵的现代技术,摄影被完美地置于前卫艺术场景的中心地位。这种印刷媒介现在通常采用黑白相间的银质印刷形式达达在德国的尖锐的社会批判作品,例如,Dada的照片蒙太奇拉尔豪斯曼(1886-1971),汉娜·霍克(1889-1978)约翰心菲尔德(赫尔穆特·赫茨菲尔德)(1891-1968建构主义在苏联为新社会打造新的图案模式;通过超现实主义艺术家喜欢雷人(1890-76)在巴黎,在他们的视觉笑话和探索潜意识;国际上的现代主义者都在庆祝新的艺术和设计形式。摄影因其对现实的把握而适合于这些不同的美学议程。摄影作为一种现代技术,歌颂了现代和材料。作为一种机械的记录装置,摄影给富于想象力或非理性的人带来了客观事实的分量。在苏联和美国等意识形态对立的国家,少数但有影响力的先锋实践者开始将摄影视为现代理想的视觉媒介。

商业是艺术的吗?

摄影可能被前卫艺术家广泛使用,但这并不意味着他们总是承认摄影和其他艺术是平等的。这在一定程度上是因为它的商业化,以名人肖像、广告和时尚的形式出现。传记作家、艺术历史学家和策展人也有这种对摄影地位的焦虑,他们为了获得艺术家的认可而忽略了摄影师职业生涯中的商业因素。如今,20世纪20年代巴黎前卫派的主要摄影师曼·雷(Man Ray)、安德烈·柯特兹(Andre Kertesz, 1894-1985)和布拉赛(1899-1984)——都是提成。曼·雷(Man Ray),原名伊曼纽尔·拉德尼茨基(Emmanuel Radnitzky),出生于费城,1921年搬到巴黎,在绘画、雕塑、电影和摄影方面以打破传统的创新者而闻名。(注:1911年,爱德华·史泰钦(Edward Steichen)也没有因为为该杂志拍摄保罗·波烈(Paul Poiret)的时装礼服照片而妥协装饰艺术等。。)如今,我们不认为他的创造力受到他的社论或时尚拍摄的损害。有时,正如他庆祝的黑白的庆祝形象的那样,委员会作为对创造力的刺激。(特别是看照片查尔斯·谢尔福特的河流胭脂汽车厂。)即使是摄影师的一些战争摄影罗伯特卡帕(1913 - 54),拉里洞穴(1926 - 71),Don McCullin(b.1935)和史蒂夫·麦科里(1950年出生)具有深刻的艺术品质。美国领先的商业商业时尚摄影师20世纪50年代和60年代,如欧文佩恩(1917-2009)和理查德•阿维顿(1923-2004)对现代艺术做出了巨大的贡献,尽管他们的商业性质时尚摄影,并在此过程中开发了几种新的摄影技术。

人文主义摄影

另一个在两次世界大战期间起源于法国的重要发展是人文摄影。与流行期刊的兴起密切相关,如生活杂志,这种类型的摄影人类兴趣的主体。在人文静脉中工作的最着名的摄影师是艺术家桃乐丝兰格(1895 - 1965)亨利•卡蒂埃•布列松(1908-2004),谁的街头摄影来自世界各地的摄影报道图像也在一系列有影响力的摄影集中发表。卡蒂埃·布列松的现实主义风格全部作品超现实主义至于直接摄影,但这在20世纪后期由于摄影在现代主义正统中的地位而变得模糊。另见相册中的面无表情照片Twentysix加油站(1962)ed ruscha.(b.1937)。

接受摄影作为一种艺术形式

世界上的当代艺术的最佳画廊,着名的纽约现代艺术博物馆(MoMA)是现代主义的意识形态之家,现代主义是上世纪中叶占主导地位的前卫美学,它拥抱艺术,设计体系结构。MOMA于1937年举行了一项重要的摄影调查,并最终在1940年开业部门,但摄影的地位为艺术形式仍然无法安全。它是John Szarkowski(1925-2007),他于1962年成为MOMA的照片策展人,最有效地吸收摄影到现代主义。根据Szarkowski的说法,合法摄影是“直”,民主的主题,并具有强大的正式组成部分。照片不是想象力的工作,而是实际碎片,以体现了强大的个人愿景。

据学者道格拉斯·克里姆普(Douglas Crimp)说,如果摄影是在1839年发明的,那么它只是在20世纪60、70年代才被发现的——摄影,也就是摄影本身的本质。克里姆普和他的圈子里的其他人批评说,照片从档案馆的抽屉里转移到艺术博物馆的墙壁上,造成了理解的缺失。不可避免地,这种对摄影的批判性兴趣,连同皮埃尔·布迪厄的作品联合国艺术莫耶森(1965),苏珊·桑塔格的在摄影(1977)和罗兰·巴特的相机最亮的星(1979),进一步提升了摄影的文化地位。巴尔特的文章——对他寻找母亲“真实”形象的深刻描述——也许是试图用本质主义术语定义摄影的最具影响力的例子。在他的书中,Barthe阐述了“点状”的概念,即照片中的细节会给观看者带来一种类似创伤的感觉。就像现代主义对摄影的描述,相机最亮的星这表明摄影具有一种独特的性质,使它有别于所有其他视觉媒体。[注:20世纪60年代的一些艺术运动和新的艺术形式使摄影成为他们的方法中不可或缺的元素。运动包括Fluxus(20世纪60年代)和流行艺术(约1955-70),以及艺术浮雕(C.1966-71),而新的艺术形式使用包括照片安装艺术表演艺术。最重要的一个现代艺术家依靠摄影在创造他的图像中,是安迪·沃霍尔(1928 - 87);看看他的电影明星的照片,比如猫王和伊丽莎白·泰勒。许多当代艺术家包括吉尔伯特和乔治(b.1943 & 1942)也很大程度上依赖于摄影。有趣的是,沃霍尔自己的摄影肖像,拍摄于1987年罗伯特·梅普尔索普(1946-89),并在2006年在克里斯蒂拍卖,以643,200美元,仍然是该期间最昂贵的照片之一。

后现代主义摄影

一种与之竞争的摄影概念声称它没有先天特征。有人认为,它的身份取决于赋予它的角色和应用程序。这种摄影理论化属于当代对现代主义的批判,即后现代主义。(注:参见:后现代主义艺术后现代主义艺术家)。由于渴望再次将艺术视为社会和政治的参与,而不是属于创作的纯粹领域,学者们回到了沃尔特·本雅明(Walter Benjamin)的作品中。本雅明是一位评论家和哲学家,上世纪30年代与法兰克福学派(Frankfurt School)有联系。他声称摄影复制品破坏了艺术原作的“光环”,大众可以通过这种模拟来享受艺术,摄影对本杰明来说象征着从国家社会主义者那里剥夺文化权力,并最终剥夺政治权力的可能性。在20世纪80年代,左翼理论家开始重新概念化媒体的历史,以摄影如何被卷入权力的行使。(关于权力和裸露,请看作品赫尔穆特·牛顿(1920-2004);对于性别问题,请参阅工作南戈尔丁(b.1953)。)这些学者和知识分子的作品进一步削弱了摄影客观性的概念,其中最著名的是让·鲍德里亚,他挑战了一种观点,即预先存在的现实只是通过视觉媒体捕捉或反映。鲍德里亚认为,意象是我们认识世界的现实。

高达20世纪70年代,照片艺术与19世纪和20世纪初的标志性图像识别。今天它是在过去三十五年左右的作品中确定的。在撰写本文时,拍卖销售的照片的世界纪录是430万美元莱茵河二世(1999)andreas gursky.(b.1955)。就在12年前,当我们进入21世纪时,世界纪录是86万美元伟大的波浪,sete通过古斯塔夫·勒格雷(1820-84)。照片价值的大幅增加通常被引用为验证终于被认为是艺术的证据。(注:参见最昂贵的画作:前20名)。然而,这并不是摄影第一次被确定为一种艺术形式。现在和过去的区别在于,无论何种形式的信息,现在都很少没有静态或动态的图片来传达:数码形式的摄影就像1839年的达盖尔银版照相法一样是一个现代奇迹。(注:参见动画艺术视频艺术)。

结论:摄影是艺术

穿过一些知识的荆棘,现在的共识似乎是照片捕捉了一个人为的或刻意的现实时刻,而正是这种刻意包含了艺术的核心。[请看,例如,“上演”的照片杰夫墙(1946年),安德烈亚斯·古尔斯基(1955年)的精心设计的风景,或者超现实的自画像Cindy Sherman(b.1954)]。换句话说,摄影师的艺术是他捕捉现实瞬间并将其转化为有趣和/或美丽的可视图像的能力。照片可以被复制一千次,从而剥夺了“原始”的独特地位,这是无关紧要的。任何两个摄影师都不可能创造出完全相同的图像,这就足够了。可以说,在黑暗的房间里“创造”出来的“画家”形象的艺术性就更有保证了。判断摄影是否是艺术的过程提醒我们,绘画和雕塑都不是像有时认为的那样纯粹的艺术形式。青铜雕塑可以大量复制品的铸造和再铸造;我们对希腊雕塑的了解不是来自希腊雕塑的原作,而是来自罗马的复制品。此外,据估计,有十分之一的画挂在最好的艺术博物馆,是副本不是原创的。在一天结束时,与暗室和其加工化学品的相机与油漆刷和涂料不同。它仍然没有超过一组工具,其中摄影师试图创建图像:以图像所做的方式激起我们灵魂的图像。

今天,在世界各地的许多博物馆都可以看到精美的艺术照片,其中包括大都会艺术博物馆,纽约,(Stieglitz, Steichen, Walker Evans,和福特汽车公司收藏);纽约现代艺术博物馆(MOMA)(藏品由爱德华·史泰钦、约翰·沙考斯基和彼得·加拉西收藏);纽约古根海姆博物馆(罗伯特·梅普尔索普收藏);芝加哥艺术学院(Alfred Steigglitz Collection);底特律艺术学院(艾伯特/佩吉·佩尔画廊);洛杉矶县博物馆艺术学院(Wallis Annenberg摄影系);费城艺术博物馆(Alfred Stieglitz, Paul Strand等摄影师拍摄的3万张照片);和维多利亚和阿尔伯特博物馆(从1839年至今,500,000张图片)。

参考文献
我们感谢从引人注目的作品《摄影:整个故事》(Thames & Hudson 2012)中使用的材料:这是任何摄影学生必不可少的参考作品。

•更多关于暗箱,请参阅:意大利匈牙利预测
•有关摄影艺术的年表,请参阅:意大利匈牙利预测艺术历史时间表
•有关镜头的艺术家更多,请参阅:主页


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